El arte vernáculo es un género de arte visual realizado por artistas que suelen ser autodidactas. Tienden a trabajar fuera de las academias de arte y las galerías comerciales, que tradicionalmente han sido competencia de artistas y coleccionistas blancos y ricos.
Por ejemplo, en Estados Unidos esta expresión está dominada por las obras de los afroamericanos, apalaches y personas de la clase trabajadora. En muchos casos, estos artistas comenzaron a hacer pinturas, esculturas y textiles fuera de su trabajo diario.
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A principios de 2023, Christie's realizó una subasta de arte local y vernáculo. Con obras de artistas estadounidenses como Henry Darger, Bill Traylor, Thornton Dial, Nellie Mae Rowe, Minnie Evans y Joseph Yoakum, la venta recaudó más de dos millones de dólares.
La conciencia y el reconocimiento de este género ha crecido en las últimas décadas, con el Museo Smithsonian de Arte Americano en Washington, D.C.; el Museo de Arte Visionario Estadounidense, en Baltimore; el Museo Alto de Atlanta y el Museo de Arte de Milwaukee, que también construye importantes colecciones.
La historia del arte y la del artista
En la década de 1940, el artista francés Jean Dubuffet acuñó el término “art brut”, que se traduce como “arte en bruto”, para describir el arte realizado por enfermos mentales, presos o niños. Los dibujos de Adolf Wölfli, fallecido en 1930, inspiraron el término de Dubuffet.
Wölfli era un paciente con esquizofrenia en un hospital psiquiátrico en Berna, Suiza, a quien le dieron lápices y papel como forma de terapia. Trabajando principalmente con lápiz, Wölfli creó dibujos elaborados con bordes decorativos que incluían símbolos, letras y su propio sistema de notación musical.
En un esfuerzo por promover este género, en 1972 el historiador de arte británico Roger Cardinal avanzó el término “arte marginal” para expandir el canon e incluir a más artistas, como Madge Gill, quien murió en 1961.
Gill, una artista autodidacta británica quien pasó gran parte de su infancia en un orfanato, comenzó a hacer dibujos a la edad de 38 años, afirmando componer las obras mientras se comunicaba con los espíritus.
En su libro Everyday Genius: Self-Taught Art and Culture of Authenticity (2004), el sociólogo Gary Allen Fine explica que una faceta común del arte vernáculo es el énfasis en la biografía del artista: Su historia personal, familiar y laboral.
Fine observó que para los coleccionistas y comerciantes, estas historias parecían dotar al arte de más significado y valor. Algunos curadores han argumentado que el arte vernáculo debería incluirse en las exposiciones de arte contemporáneo y no existir simplemente en su propia categoría aislada.
Pero la relación entre los artistas vernáculos y sus promotores puede ser complicada.
En su libro The Temptation: Edgar Tolson and the Genesis of Twentieth-Century Folk Art (1998), la socióloga Julia Ardery exploró las formas en que Tolson, un tallador de madera autodidacta de la zona rural de Kentucky, interactuaba con profesores y estudiantes de la Universidad de Kentucky. y analizó su influencia en su arte.
Gran parte del trabajo de Tolson fue adquirido por Michael Hall, quien en ese momento enseñaba en la Universidad de Kentucky. Hall ayudó a Tolson a recibir una beca de artista individual del National Endowment for the Arts en 1981, pero también terminó vendiendo una parte de su colección al Museo de Arte de Milwaukee en 1989 por 1.5 millones de dólares.
Como muestra la venta de la obra de Tolson, cuando entran en escena enormes sumas de dinero, la línea entre la apreciación y la explotación se vuelve borrosa.
Por qué importa esta expresión
El arte vernáculo amplía el canon artístico de la misma manera que la música folclórica refleja tradiciones de expresión más amplias. Les recuerda a todos que el arte es una búsqueda humana universal.
Como señaló el difunto Chris Strachwitz, fundador de Arhoolie Records, las tradiciones negras de blues y música de raíces no se enseñaron formalmente, sino que se transmitieron de una generación a la siguiente en las comunidades locales.
De manera similar, el arquitecto Robert Venturi promovió la arquitectura vernácula en su libro Learning from Las Vegas (1972). En él, destacó las formas en que los casinos y hoteles de Las Vegas fueron diseñados para acomodar el automóvil y estaban destinados a ser vistos como símbolos, con letreros masivos y extravagantes, un enfoque del que la mayoría de las escuelas de arquitectura se habrían burlado. Al hacerlo, Venturi marcó el comienzo de formas de arquitectura más divertidas.
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Ese trabajo representa una forma de expresión predigital, accesible para cualquier persona, que muestra lo que significa ser ingenioso, creativo y humano.
* Profesor de Canciller de Arte, Universidad de Tennessee.
