Muchas veces los grupos más interesantes no son los que figuran en las curadurías de los “expertos”, ni los que acumulan millones de vistas y reproducciones en las plataformas musicales, sino aquellos que se enfocan exclusivamente en su arte, sin prestar demasiada atención a otros factores.
Es así como el cuarteto granadino Lagartija Nick llega a las tres décadas de vida, con un disco que los mantiene, igual que en sus inicios, en una búsqueda constante. O como presumen ellos: “Decimocuarto trabajo de Lagartija Nick, decimocuarto trabajo buscando nuevas formas de expresión”.
El nuevo reto que se impuso la banda fue el de llevar a sus terrenos la poesía del director de cine Luis Buñuel, así como algunas reflexiones sobre la música, para producir un disco titulado El Perro Andaluz, del que nos habla el propio bajista y cantante de la banda, Antonio Arias:
- Sabemos que la idea de retomar a Buñuel nació de una invitación a musicalizarlo para un festival de cine. Háblanos de ello.
Sí, ocurrió en 2017, cuando un festival de Albacete nos propuso musicalizar algunas imágenes de su carrera, algo que nos pareció muy inquietante porque ya sabíamos que Buñuel escogía su música, que no era un partidario de la música incidental, así que lo tomamos como un desafío para jugar. Enseguida me puse a buscar y encontré que había una colección de poemas suyos. Se trataba de encontrar que su imaginario no sólo está en el cine, sino que lo suyo era un cine-poesía en el fondo surrealista, así que aceptamos la invitación y ya luego el mismo Luis Buñuel nos fue guiando.
- ¿Y cómo decidieron que todo eso se convertiría en un disco?
Bueno, la experiencia quedó ahí, porque además nosotros teníamos otros discos que iban a salir, que fueron Crimen, sabotaje y creación (2017) y Los Cielos Cabizbajos (2019). Luego, cuando llegó la pandemia me puse a revisar estas grabaciones y seguían llamándome mucho la atención. Como que la voz de Buñuel seguía llamándome a través de sus textos. Como si me dijera: Esto tú no la has cantado nunca, esto te va a llevar a otro mundo. Porque habíamos abordado en el festival, en donde había que entender primero a Luis Buñuel en su momento, en ese momento de ruptura de la vanguardia, de los años 20, del Charleston y del jazz, que a él le gustaba, y entonces ahí como que se creó una estructura que nos atrapó de verdad y que nos motivaba mucho, porque era algo extraño y por lo tanto nos pedía cosas extrañas. Creo que fue esa misma extrañeza la que en un principio nos paró y la que luego nos envalentonó para decir: No se ha hecho prácticamente nada como esto y debe estar en un disco.
Cuenta Antonio Arias que tomar este reto representó para ellos una motivación grandísima, porque además era un proyecto que los invitaba a sonar distinto.
Poca gente sabe que Buñuel hacía poesía o que tenía una relación con la música tan importante.
Es que él incluso de joven considera seguir con su carrera en el violín, digamos que cambió varias veces de carrera. En la canción “Pájaro de angustia” incluso ponemos su voz, en donde está él recordando una melodía de 1920. Todo ese material nos guiaba, porque al estar en prosa pues también tienen una musicalidad.
Antonio destaca que cuando la banda llegó a este punto, ya habían pasado por la experiencia de recuperar material de Lorca y su poesía surrealista, por lo que tampoco le tenían tanto miedo a experimentar de esta manera
- Acerca de “Pájaro de angustia”, ¿cómo fue que decidieron montarse al ritmo que él aparece marcando?
De hecho él habla de la síncopa y nosotros lo interpretamos como si fuera una canción de 4x4, pero se le queda ese 3x4, fue un intercambio en el que estamos siguiendo su melodía, porque al estar diciendo pa-pá, pa-pá, papá, pa-pá pues ya era como mostrarnos un camino, ¿no? Esa canción es la única en la que hacemos una referencia a nuestro folklore andaluz, con la introducción de la guitarra española, como si fuera el único ladrido de ese perro andaluz, y también hay un violín que nadie lo va a distinguir, pero digamos que de manera surrealista, ahí está un violín y la guitarra española, que es como el momento en el que Lorca y Buñuel se ponen a jugar, son esos guiños surrealistas que solo están en nuestro imaginario y que le dan una riqueza o una brumilla, algo extraño que hace que la canción siga con vida y que te lleve a esa explosión final.
- El disco tiene una tensión muy propia de las películas de Buñuel, pero al mismo tiempo mantiene el sonido característico de Lagartija Nick, ¿fue complicado andar por esos dos caminos en paralelo?
Bueno, tú lo has explicado. Son dos caminos que coges y que en vez de seguirlos hasta el final, abandonas uno que siguen hasta el final uno se abandona, porque había que hacer que las partes trabajaran en función de Luis Buñuel. Ya todos teníamos claro que era un disco de Lagartija Nick, pero en función de un personaje que está ahí y que nos está guiando a todos, era el esfuerzo y la modificación que nosotros estábamos pidiendo como grupo, un juego en el que estás viendo la realidad de la obra en ti, la cual se está transformando y está transformando tu sonido, porque sigue siendo Lagartija, no sé cómo ni por qué, pero pero sigue manteniendo toda esa fuerza de la banda.
Para redondear la propuesta, están otras canciones como “Bacanal“ o ”Polisoir milagroso” cuyos asombrosos arreglos orquestales fueron creados y dirigidos por David Montañés, quien ya había colaborado con la banda en su anterior disco.
- ¿Crees que este disco pueda gustarle a quienes no conocen la poesía de Luis Buñuel?
Claro, creo que sí, porque si no conocen estos poemas los van a reconocer de manera subconsciente, porque cualquiera que haya visto una película de Luis Buñuel, de cualquier época, reconocerá ese poemario y esa generación de imágenes y de cine ciego.
La expansión del rock americano
Prácticamente desde que esta banda se fundó, en el ya lejano 1991, sus integrantes ya se encontraban en esa búsqueda de nuevas formas de expresión. Así lo hicieron en 1996 cuando produjeron el disco Omega, mismo que realizaron en compañía de Enrique Morente, la leyenda del flamenco que vino a remover el mundo de estos músicos a los que les dejó varios aprendizajes:
“Aunque nosotros somos un grupo andaluz, podría decirse que la música que siempre nos ha rodeado es esa genética envolvente del rock sajón, del rock americano, eso siempre nos ha determinado, comenzando por nuestro nombre, que viene de una canción del grupo gótico Bauhaus, pero con Morente aprendimos que sin la necesidad de cambiar podíamos ampliar nuestra música y crear canciones como “Omega” o “Ciudad sin sueño”, que son capitales para nosotros, porque nos liberamos de las estructuras de canciones de puente y estribillo. Los gritos de Morente eran la guía y fue muy importante, aprendimos muchísimo con él, porque estábamos con un genio de la música; él para mí era como una corroboración constante de que un humano podía ser divino, porque no era normal cómo cantaba… Y bueno, ya despues nos pusimos a trabajar en lo de Lorca y después en lo de Val del Omar.
- Ya cumplieron 30 años como banda, ¿cómo te sientes al respecto?
Sí, ya son 33… Yo me lo tomo con sentido del humor, a veces me reía pensando en que somos los mismos que no teníamos ni idea hace treinta y tantos años, y es gracioso ver cómo pasa el tiempo y ver que trabajos como este le dan sentido a que sigamos haciendo música, porque hay muchas maneras de sobrevivir, pero tener una motivación tan fuerte de seguir haciendo cosas distintas, bueno…
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Antes de concluir, Antonio dice que harán todo lo posible por venir a México para presentar este disco, luego de que hace unas semanas no se pudo concretar una visita suya que se había anunciado en el Centro Cultural de España.
“Aún tengo el impacto en la cabeza de cuando tocamos en la Plaza de Santo Domingo. Ahí tocamos Omega con Morente y fue algo espectacular. Recuerdo el montón de gente y las patrullas de los policías pasando mientras tocábamos “Omega” lo que nos daba una especie de acompañamiento más bestial”.
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