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“Como caminar por una extraña y hermosa casa de la risa”. Así describió Tim Burton su visita privada a la inauguración de la muestra “The World of Tim Burton” en el Design Museum de Londres.
La exposición, que inicialmente tomó forma en el Museum of Modern Art de Nueva York, en 2009, y que desde entonces ha visitado 14 ciudades en 11 países, llega ahora a su gran final en forma ampliada y remezclada en la ciudad adoptiva de Burton.
Pero hay cierta tensión subyacente de la exposición en sí: el contraste entre dejar al descubierto un proceso creativo intensamente personal y el estatus de megaestrella mundial de Burton.
La colaboración de la exposición con el Design Museum ha permitido replantearla como una exploración de la “práctica del diseño” de Burton, trazando el complejo camino desde sus bocetos iniciales hasta su realización en la pantalla.
En este sentido, la exposición es exitosa. Los visitantes pueden apreciar el desarrollo holístico de las ideas de Burton, desde los dibujos preliminares hasta su realización por parte de los fabricantes de marionetas y los diseñadores de vestuario y escenografía.
Una de las paradojas de Burton es que, siendo un artista que está tan preocupado por la figura del outsider, tenga un éxito comercial tan inmenso
Además, la obra en sí es alegre y algunos de los elementos más emocionantes son los más personales: arte de fans adolescentes, garabatos en servilletas de mesa, apuntes de clases universitarias, que ofrecen una impresión de intimidad, de creatividad pura que brota de alguna fuente oculta del subconsciente. La puesta en escena de la exposición realza esta impresión. Las puertas torcidas y los suelos de tablero de ajedrez sugieren que el arte se está derramando fuera del marco hacia el espacio de la galería, evocando la sensación de "casa de la risa" de la que habló Burton.
La exposición se centra en la noción de Burton como autor, respaldada por un equipo leal de creativos, muchos de los cuales se muestran aquí. Un punto destacado son las filas de cabezas de Jack Skellington con diferentes expresiones faciales, ideadas por los animadores de stop-motion Mackinnon y Saunders para Pesadilla antes de Navidad (1993).
También hay un escalofrío genuino al ver el icónico traje de Bob Ringwood y Mary Vogt para Catwoman en Batman Returns (1992), ahora tan frágil que solo se puede colocar plano y que parece extrañamente piel mudada.
Sin embargo, la estrella indiscutible entre los colaboradores de Burton es la diseñadora de vestuario Colleen Atwood. Sus conjuntos espectaculares para Edward Scissorhands (1990), Mars Attacks! (1996), Sleepy Hollow (1999), Alice in Wonderland (2010) y Wednesday (2022) dominan la sala central de la exposición.
Por otro lado, la muestra no tiene tanto éxito en sus intentos de situar a Burton en un marco cultural más amplio. Las influencias de Burton se tratan de forma fragmentaria y se explican de forma deficiente. Vincent Price se confunde con el horror de Hammer y el concepto teórico de lo carnavalesco se malinterpreta.
Habría sido bienvenida una exploración más exhaustiva de las tradiciones del horror en las que se inspira Burton, en particular el expresionismo alemán y las adaptaciones de Edgar Allan Poe, de Roger Corman. El enfoque en los dibujos de Burton también exige una mayor atención a las tradiciones ilustrativas a las que está en deuda, desde Ralph Steadman hasta Charles Addams y Edward Gorey. Pasar por alto esto es restarle importancia a la habilidad de Burton como artista que reelabora conscientemente la tradición gótica estadounidense en una nueva forma distintiva.
Esta muestra, que inicialmente tomó forma en el Museum of Modern Art de Nueva York, ha visitado 14 ciudades en 11 países
La última sala, “Burtonesque”, tiene el potencial de ser la más interesante. Explora la forma en que la estética de Burton se ha vuelto lo suficientemente distintiva como para ser reconocible en la obra de otros artistas.
En última instancia, sin embargo, evita plantear preguntas inquisitivas sobre la transferibilidad y la influencia estilísticas. En cambio, analiza las colaboraciones de Burton con artistas de otros medios, ya sea el diseñador de moda Alexander McQueen, el fotógrafo Tim Walker o la banda de rock The Killers.
Estas colaboraciones son interesantes por sí mismas, pero lo fundamental es que Burton sigue involucrado en este proceso. La salida tradicional a través de la tienda de regalos revela otra faceta de Burton, en la que su estética altamente reconocible se ha prestado a productos con diversos grados de conexión con la fuente original. El director ha sido franco sobre la explotación de su trabajo por parte de la IA. Pero ¿es este, en la cultura actual, el punto final lógico de lo "burtonesco"?
La exposición evita cualquier tipo de investigación de la marca Burton, o incluso de la influencia de Burton en una nueva generación de creadores. Al hacerlo, pasa por alto una de las paradojas más fascinantes de Burton: que un artista que está tan preocupado por la figura del outsider haya sido tan ampliamente aceptado, con un éxito comercial tan inmenso.
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La obra de Burton plantea serias preguntas sobre el papel y la popularidad de la imaginería gótica en la cultura del siglo XXI, pero esta exposición se limita a ofrecer emociones fuertes.
El mundo de Tim Burton se exhibe en el Museo de Diseño de Londres hasta el 21 de abril de 2025.
* Traducción de El Sol de México.
